美國藝術家。 令世界驚嘆的7位大師

美國藝術家非常多樣化。 有人是一個明確的世界主義者，比如薩金特。 他是美國人，但幾乎整個成年生活都住在倫敦和巴黎。

其中也有真實的美國人，他們只描繪了他們同胞的生活，比如洛克威爾。

世界上還有一些藝術家，比如波洛克。 或者那些藝術已經成為消費社會產物的人。 這當然是關於沃霍爾的。

然而，他們都是美國人。 熱愛自由，大膽，光明。 在下面閱讀其中的七個。

1. 詹姆斯·惠斯勒 (1834-1903)

惠斯勒很難被稱為真正的美國人。 長大後，他住在歐洲。 他在俄羅斯度過了他的童年。 他的父親在聖彼得堡修建了一條鐵路。

正是在那裡，男孩詹姆斯愛上了藝術，由於他父親的關係，他參觀了冬宮和彼得夏宮（當時它們仍然是不對公眾開放的宮殿）。

惠斯勒為何出名？ 無論他畫何種風格，從現實主義到色調主義*，他幾乎可以立即被兩個特徵所識別。 不尋常的顏色和音樂名稱。

他的一些肖像是對古代大師的模仿。 例如，他著名的肖像“藝術家的母親”。

這位藝術家使用從淺灰色到深灰色的顏色創作了令人驚嘆的作品。 還有一些黃色。

但這並不意味著惠斯勒喜歡這種顏色。 他是一個非凡的人。 他可以很容易地穿著黃色襪子和一把明亮的雨傘出現在社會上。 這是男人只穿著黑色和灰色的時候。

他的作品也比“母親”輕得多。 例如，《白色交響曲》。 所以這張照片是被展覽中的一位記者叫來的。 惠斯勒喜歡這個主意。 從那時起，他幾乎把他所有的作品都以音樂的方式命名。

但是，在 1862 年，公眾不喜歡交響曲。 再次，因為惠斯勒獨特的配色方案。 人們在白色背景上寫一個白衣女人似乎很奇怪。

在照片中，我們看到了惠斯勒的紅發情婦。 完全符合拉斐爾前派的精神。 畢竟，這位藝術家是前拉斐爾主義的主要發起人之一加布里埃爾·羅塞蒂的朋友。 美女，百合，不尋常的元素（狼皮）。 一切都是應有的。

但惠斯勒很快就擺脫了前拉斐爾主義。 因為對他來說，重要的不是外表的美，而是心情和情緒。 他創造了一個新的方向——調性。

他的調性風格的夜曲風景真的看起來像音樂。 單色，粘稠。

惠斯勒本人表示，音樂名稱有助於將注意力集中在畫作本身、線條和色彩上。 同時，不去想被描繪的地方和人物。

調性，以及接近它 印象派，在 19 世紀中葉，公眾也沒有留下深刻的印象。 與當時流行的現實主義相去甚遠。

但惠斯勒將有時間等待認可。 在他生命的盡頭，他的作品將被心甘情願地買下。

2.瑪麗·卡薩特（1844-1926）

瑪麗·卡薩特出生在一個富裕的家庭。 她可以過上無憂無慮的生活。 結婚生子。 但她選擇了另一條路。 為了繪畫給了自己獨身的誓言。

她是朋友 埃德加·德加. 週三收到 印象派，永遠被這個方向沖昏了頭腦。 而她的《藍色扶手椅上的女孩》是公眾看到的第一部印象派作品。

但沒有人真正喜歡這張照片。 在 19 世紀，孩子們被描繪成乖乖坐著的天使，有著捲曲的捲發和紅潤的臉頰。 這是一個孩子，他顯然很無聊，坐在一個太放鬆的位置。

但瑪麗·卡薩特（Mary Cassatt）從未有過自己的孩子，她幾乎是第一個將孩子描繪得如此自然的人。

對於那個時候，卡薩特有一個嚴重的“缺陷”。 她是一個女人。 她不能獨自去公園從大自然中作畫。 尤其是去其他藝術家聚集的咖啡館。 所有人！ 給她留下了什麼？

在有大理石壁爐和昂貴茶具的客廳裡寫單調的女性茶話會。 生活是有節制的，無休止的無聊。

瑪麗卡薩特沒有等待承認。 起初，她因印象派和據稱未完成的畫作而被拒絕。 然後，已經在 20 世紀，它已經嚴重“過時”了，因為新藝術運動正在流行（克里姆特) 和野獸派 (馬蒂斯).

但她一直堅持自己的風格直到最後。 印象派。 柔和的粉彩。 有孩子的母親。

為了繪畫，卡薩特放棄了母性。 但她的女性氣質越來越多地體現在《沉睡的孩子》等精緻的作品中。 可惜，一個保守的社會曾經把她擺在這樣的選擇面前。

3. 約翰·薩金特 (1856-1925)

約翰薩金特確信他將終生成為一名肖像畫家。 事業進展順利。 貴族們排著長隊命令他。

但一旦藝術家在社會輿論中越界。 現在我們很難理解電影《X夫人》中有什麼讓人無法接受的地方。

誠然，在最初的版本中，女主角省略了其中一個文胸。 薩金特“撫養”了她，但這無濟於事。 訂單一無所獲。

公眾看到了什麼淫穢？ 以及薩金特以過度自信的姿勢描繪模特的事實。 而且，半透明的皮膚和粉紅色的耳朵很有說服力。

可以說，這張照片表明，這個性慾增強的女人並不反對接受其他男人的求愛。 更何況，結婚了。

不幸的是，在這樁醜聞的背後，同時代的人並沒有看到傑作。 深色連衣裙，淺色皮膚，動感姿勢——只有最有才華的大師才能找到的簡單組合。

但沒有善就沒有惡。 薩金特得到了自由作為回報。 他開始更多地嘗試印象派。 給孩子寫即時情景。 “康乃馨，百合，百合，玫瑰”這幅作品就是這樣出現的。

薩金特想要捕捉暮光的特定時刻。 所以我每天只在光線好的時候工作 2 分鐘。 夏季和秋季工作。 當花朵枯萎時，他用人造的代替它們。

近幾十年來，薩金特對自由的品味如此之深，以至於他開始完全放棄肖像畫。 雖然他的名聲已經恢復了。 他甚至粗魯地駁回了一位客戶，說他會比她的臉更高興地畫她的大門。

同時代人以諷刺的態度對待薩金特。 認為它在現代主義時代已經過時了。 但是時間把一切都放在了它的位置上。

現在，他的作品的價值不亞於最著名的現代主義者的作品。 好吧，更不用說大眾的愛，什麼也不說。 他的作品展覽總是售罄。

4. 諾曼洛克威爾 (1894-1978)

很難想像在他的一生中還有比諾曼洛克威爾更受歡迎的藝術家。 幾代美國人都是在他的插圖中長大的。 全心全意地愛他們。

畢竟，羅克韋爾描繪的是普通美國人。 但同時從最積極的一面展示他們的生活。 羅克韋爾不想表現出邪惡的父親或冷漠的母親。 你不會和他一起遇到不快樂的孩子。

他的作品充滿幽默感、多汁的色彩和非常巧妙地捕捉生活中的表達方式。

但這是一種錯覺，認為這項工作很容易就交給了羅克韋爾。 為了創作一幅畫，他首先會用他的模特拍攝多達一百張照片來捕捉正確的姿勢。

羅克韋爾的工作對數百萬美國人的思想產生了巨大影響。 畢竟，他經常藉助他的畫作說話。

在第二次世界大戰期間，他決定展示他的國家的士兵為什麼而戰。 除其他外，創作了“擺脫匱乏”這幅畫。 以感恩節的形式，讓所有家庭成員吃飽喝足，享受家庭假期。

在《週六晚郵報》工作了 50 年後，羅克韋爾轉向更民主的 Look 雜誌，在那裡他能夠表達他對社會問題的看法。

那些年最亮眼的作品是“我們生活的問題”。

這是一個黑人女孩上白人學校的真實故事。 由於通過了一項法律，人們（以及因此教育機構）不應再按種族劃分。

但是居民的憤怒是無止境的。 在去學校的路上，女孩被警察看守著。 這是一個如此“常規”的時刻，並展示了羅克韋爾。

如果您想以略微修飾的方式了解美國人的生活（正如他們自己想看到的那樣），請務必查看羅克韋爾的畫作。

也許，在本文介紹的所有畫家中，羅克韋爾是最美國化的藝術家。

5. 安德魯·惠氏 (1917-2009)

與羅克韋爾不同，惠氏沒有那麼積極。 他生性隱士，不尋求美化任何東西。 相反，他描繪的是最普通的風景和不起眼的事物。 只是一片麥田，只是一座木屋。 但他甚至設法從他們身上窺探到了一些神奇的東西。

他最著名的作品是克里斯蒂娜的世界。 惠氏展示了一位婦女的命運，他的鄰居。 從小就癱瘓的她在農場周圍爬行。

因此，這幅畫中並沒有什麼浪漫之處，就像乍一看那樣。 如果你仔細觀察，那麼這個女人有痛苦的消瘦。 而知道女主雙腿癱瘓，你會傷心地明白她離家還有多遠。

乍一看，惠氏寫的最平凡。 這是老房子的舊窗戶。 已經開始化作碎片的破舊窗簾。 窗外的森林變暗了。

但這一切都有些神秘。 別的樣子。

因此，孩子們能夠以不眨眼的眼光看待這個世界。 懷亞特也是。 我們和他在一起。

惠氏的一切事務都由他的妻子處理。 她是一個很好的組織者。 是她聯繫了博物館和收藏家。

他們的關係中幾乎沒有浪漫。 音樂必須出現。 而她變成了一個單純，卻有著非凡外表的海爾加。 這是我們在很多作品中看到的。

似乎我們只看到一個女人的照片。 但是由於某種原因，很難擺脫它。 她的眼睛太複雜了，她的肩膀繃得緊緊的。 可以說，我們對她的內心是緊張的。 努力為這種緊張尋找解釋。

惠氏在每一個細節中都描繪了現實，神奇地賦予了她無法無動於衷的情感。

這位藝術家很長一段時間都沒有得到認可。 憑藉他的現實主義，儘管很神奇，但他不適合 20 世紀的現代主義潮流。

當博物館工作人員購買他的作品時，他們試圖安靜地進行，不引起注意。 很少組織展覽。 但令現代主義者羨慕的是，他們總是取得了巨大的成功。 人們蜂擁而至。 他們還是來了。

通過文章閱讀有關藝術家的信息 克里斯汀的世界。 安德魯·懷斯的傑作。”

6. 傑克遜·波洛克 (1912-1956)

傑克遜波洛克不容忽視。 他在藝術上越過了一定的界限，在這之後，繪畫就不可能是一樣的了。 他表明，在藝術中，一般來說，你可以做到沒有界限。 當我把畫布放在地板上並用油漆濺上它時。

這位美國藝術家從抽象主義開始，其中的具象仍然可以追溯到。 在他 40 年代的“速記人物”作品中，我們看到了臉部和手部的輪廓。 甚至是我們可以理解的十字和零形式的符號。

他的作品受到稱讚，但他們並不急於購買。 他像教堂裡的老鼠一樣窮。 並且無恥地喝酒。 儘管婚姻幸福。 他的妻子欽佩他的才華，並為丈夫的成功竭盡全力。

但波洛克本來就是一個破碎的人格。 從他年輕的時候，他的行為就清楚地表明，早逝是他的命運。

結果，這種破碎將導致他在44歲時死亡。 但他將有時間在藝術上進行一場革命並成名。

他是在兩年的清醒期間做到這一點的。 他能夠在1950-1952年間卓有成效地工作。 他試驗了很長時間，直到他掌握了滴灌技術。

他在棚子的地板上鋪了一塊巨大的畫布，在畫布周圍走來走去，彷彿置身於畫中。 並噴塗或僅傾倒油漆。

這些不同尋常的畫作開始心甘情願地從他那裡購買，因為它們具有令人難以置信的獨創性和新穎性。

波洛克被名聲驚呆了，陷入了抑鬱，不知道下一步該去哪裡。 酒精和抑鬱症的致命混合物使他沒有生存的機會。 有一次他在方向盤後面喝得酩酊大醉。 上次。

7.安迪沃霍爾（1928-1987）

只有在像美國這樣的消費狂熱的國家，才會誕生波普藝術。 當然，它的主要發起人是安迪·沃霍爾。

他因將最普通的東西變成藝術品而聞名。 坎貝爾的湯罐就是這樣。

選擇並非偶然。 20 多年來，沃霍爾的母親每天都給兒子餵這種湯。 即使他搬到紐約並帶著他的母親。

在這個實驗之後，沃霍爾對絲網印刷產生了興趣。 從那時起，他開始拍攝流行歌星的照片，並將它們塗上不同的顏色。

他的著名畫作瑪麗蓮夢露就是這樣出現的。

產生了無數這樣的瑪麗蓮酸顏色。 Art Warhol 開始直播。 正如消費社會所期望的那樣。

沃霍爾發明彩繪面孔是有原因的。 再一次，並非沒有母親的影響。 小時候，在兒子長期生病期間，她給他拖了幾包塗色書。

這種童年的愛好變成了他的名片，讓他變得異常富有。

他不僅畫了流行歌星，還畫了他的前輩的傑作。 明白了 “維納斯”波提切利.

維納斯和瑪麗蓮一樣，做了很多。 藝術品的排他性被沃霍爾“抹去”成粉末。 藝術家為什麼這樣做？

普及老傑作？ 或者，反過來，試圖貶值它們？ 讓流行歌星永垂不朽？ 還是用諷刺來為死亡增添趣味？

他的麥當娜、埃爾維斯普雷斯利或列寧的繪畫作品有時比原始照片更容易辨認。

但傑作不太可能被掩蓋。 儘管如此，原始的“金星”仍然是無價的。

沃霍爾是一個狂熱的派對愛好者，吸引了很多被拋棄的人。 吸毒者、失敗的演員或只是性格不平衡。 其中一個曾經向他開槍。

沃霍爾活了下來。 但20年後，由於曾經受過一次傷的後果，他一個人死在了自己的公寓裡。

美國大熔爐

儘管美國藝術的歷史很短，但范圍很廣。 美國藝術家中有印象派（薩金特）、魔幻現實主義者（惠氏）、抽象表現主義（波洛克）和波普藝術先驅（沃霍爾）。

好吧，美國人喜歡在任何事情上自由選擇。 數百個教派。 百國。 數以百計的藝術指導。 這就是為什麼他是美利堅合眾國的熔爐。

* 色調 - 灰色、藍色或棕色色調的單色風景，當圖像彷彿在霧中時。 色調主義被認為是印象派的一個分支，因為它傳達了藝術家對所見事物的印象。

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